Reflexiones
Aqui estaran todas las reflexiones de las charlas discutidas en clase.
¿What is an Apparatus?
Lo contemporáneo según lo que he aprendido en estos años se puede aplicar a todo lo que nos rodea, como lo son las artes, las estructuras, los diferentes estilos, los literarios, pero siempre debe existir al mismo tiempo que las demás cosas, en otras palabras, deben pertenecer a la misma época. Mientras que en la lectura Giorgio Agamben habla sobre su definición y en lo que se basa su idea alrededor de como percibir la oscuridad. Por eso uno se cuestiona ¿cual es el significado de lo contemporáneo? ¿Como mejor se puede entender lo contemporáneo, como un momento histórico, un horizonte temporal siempre en retroceso, o una cosmovisión cultural, una condición, o un estilo? Ambas preguntas se tratarán de analizar para poder tener una visión mas clara de lo que consiste lo contemporáneo en esta lectura.
Durante la lectura nuestro autor menciona varias definiciones de lo que es lo contemporáneo, en donde solo mencionare dos de las más que pude interpretar y entender mejor la manera en la que el autor presenta lo que es lo contemporáneo. La primera definición es de un filósofo llamado Friedrich Nietzsche y cita “Lo contemporáneo es lo intempestivo”. Lo que quiere decir el joven filosofo es que uno como individuo pertenece verdaderamente a su tiempo. En otras palabras, debe estar en relación con el tiempo actual, pero a la vez se tiene que tomar una distancia porque puede pasar y no podrán verla u apreciarla. Solo los que sepan entender y percibir bien su tiempo son los que realmente conocen lo contemporáneo. La segunda definición que ayuda a entender más el punto de vista del autor es cuando dice “pues significa ser capaces no sólo de tener la mirada fija en la oscuridad de la época, sino incluso percibir en esa oscuridad una luz que, dirigida hacia nosotros, se aleja infinitamente.” Lo que quiere decir esta cita es que uno no se debe enfocar en lo que esta ocurriendo mal sino en que manera se puede mejorar ese mal por eso dice la lectura que los contemporáneos son raros, porque hay veces que pueden percibir el mal y como arreglarlo, pero no lo pueden hacer.
Después de leer la segunda premisa y analizar la lectura se podría decir que la mejor manera en que se puede entender lo contemporáneo es como un momento histórico. El gran ejemplo que esta en la lectura son las marcas de lo arcaico y como eso puede ser contemporáneo. Se puede comenzar desde lo que significa la palabra arcaico, cercano al arké, el origen. Según la lectura el origen no solo se identifica con el orden cronológico del pasado, sino que él es contemporáneo al convertirse a lo histórico. Además, los historiadores mencionan que los arcaicos y lo que es lo moderno tienen una cita secreta porque “la llave de lo moderno esta escondida en lo inmemorial y en lo prehistórico” en otras palabras siempre que se deja lo antiguo es lo que se utiliza de guía para los inicios del futuro. Por eso siempre lo que se perdió en el tiempo seguirá persiguiendo lo que era arcaico o lo primitivo. Lo mas curioso de todo es que uno siempre quiere lograr lo moderno, el futuro en vez de tratar y estar en el presente y olvidarse por un rato el futuro, por eso encuentro esta parte de la lectura muy interesante “regresar a un presente en el que nunca hemos estado” que lo encuentro bien correcta, ya que siempre uno piensa en el futuro o en el pasado, pero nunca se ponen a pensar en el presente.
En conclusión, lo contemporáneo se puede ver de diferentes maneras, pero siempre sabiendo que uno siempre tiene que permanecer en el presente y no dejarse guiar por el tiempo, mantenerlo siempre a distancia, pero no ser consumido por ella. Además, el saber cuando tomar la decisión de hacer algo cuando la oscuridad emite una pequeña luz y no desperdiciar el momento. Esta lectura me ayudo mucho a comprender diferentes maneras de ver el significado de lo contemporáneo y la mejor manera en que se puede explicar o entenderlo. No siempre lo moderno es lo contemporáneo y siempre es bueno saber que lo antiguo o lo prehistórico es igual de importante que lo moderno o futurístico.
Altes Museum
¿Quién fue el arquitecto que diseñó el museo de Altes? El arquitecto se llama Karl Friedrich Schinkel gran arquitecto del neoclasicismo y pintor alemán de los anos 1800. Era bien reconocido en la ciudad de Berlín en el periodo que estuvo como jefe del departamento de obras del Estado prusiano. Este gran arquitecto diseño el primer museo de Berlín, construido entre los 1823 y 1830, siendo uno de los ejemplos del neoclásico arquitectónico. Este gran diseño arquitectónico no solo es uno de los ejemplos mas importantes del neoclasicismo, sino que también abunda en muchos elementos lo contemporáneo.
El museo de Atles tiene varios elementos que se pueden identificar en el estilo contemporáneo neoclásico. En el sur de la fachada que es la cara del museo, se puede ver claramente las columnas con los ordenes dórico y jónico. Esas columnas fueron inspiradas por los monumentos de la antigüedad grecorromana, por la simetría y las leyes de la medida y las matemáticas. Además de las columnas tiene la cornisa, el estilóbato, el friso con un mensaje en griego seguido por su arquitrabe, todo siguiendo el mismo estilo de los grecorromanos. Los últimos elementos que se pueden apreciar del museo de Atles son el pórtico dándole un carácter decorativo y enfatizando el orden jónico y la larga columnata que el arquitecto quiso transmitir una sensación horizontal por todo ese lado de la fachada. Fue una gran obra maestra al reinterpretar las antiguas formas griegas y romanas adaptando esos elementos para lograr algo con una función y necesidad nueva.
En conclusión, la inspiración de Karl Friedrich y los elementos utilizados en el museo de Atles se destacaron mundialmente como uno de los primeros museos neoclásico del mundo. En donde se puede apreciar cada elemento estructural no importa el ano en donde estemos. Esta tan completa esta estructura que cumple con elementos contemporáneos neoclásicos que siguen relevantes hoy en día, siendo un lugar atractivo para los turistas por las referencias con los templos griegos.
Crystal Palace
¿Sabes cuál fue la razón por la cual se incendió el Crystal Palace de Londres? Según varios reportes y artículos se dice que la causa nunca se pudo derivar, pero sir Henry Buckland que fue el director del edificio que hubo una explosión de gas, que quizás si fue la causa del devastador incendio. Fue una gran lastima perder una de las obras mas reconocidas y admiradas del siglo 19. Logro ser tan reconocida por lo gigante que era una estructura echa por hierro y cristal y mas por ser diseñando por un jardinero y arquitecto paisajista Joseph Paxton.
Joseph Paxton era un arquitecto paisajista británico que trabajo mayormente como jardinero bajo William George que en aquel tiempo era el sexto duque de Devonshire, en Chatsworth y ahí en el 1823es que comenzó las grandes ideas y los grandes invernaderos que se dice que de eso es que se inspiro en mucho de sus obras. Gracias a su obra más reconocida Crystal Palace se constituyo como un de los precursores de la arquitectura moderna. Las exigencias que fueron determinadas por Paxton como albergar la maquinaria, las técnicas, objetos, productos y materias primas para poder construir un espacio gigante pero que sea funcional. Por eso logra conseguir levantar el Palacio en solo seis meses con una asombrosa área de setenta mil metros cuadrados.
Esta obra se construyó en hierro fundido y cristal en el Hyde Park por la Gran Exposición Universal del ano 1851 y fue como tal inaugurada ese mismo ano en mayo. Luego fue trasladado al sur de Londres donde permaneció hasta el terrible incidente en el 1936. El Crystal Palace de Londres tenia una nave central inmensa de mas de 500 metros de largo y aproximadamente 124 metros de ancho, Paxton utilizando de medio punto un transepto de bóveda de mas de 30 metros de alto. Lo mas que impresionaba claro era su escala, pero eran más las columnas de hierro que sustentaban las paredes de cristal y a la misma vez la estructura era fija, que se dice que Paxton se inspiro por las estructuras de los invernaderos. Trajo elementos prefabricados y formas modulares en lo que la construcción se baso en puro montaje. Gracias a esta obra dio nuevos triunfos a los nuevos materiales que eran el hierro colado, logrando puentes en Inglaterra y edificios en Paris.
En conclusión, Joseph Paxton fue el precursor de la arquitectura moderna gracias a sus ingeniosas ideas de diseñar teniendo en referencias los invernaderos. Logro lo imposible y por eso consiguió el objetivo de la Exposición Universal demostrando que no hay límites, los limites solo uno se los pone.
World's Columbian Exiposition
¿Que fue la exposición mundial de Colombina? La exposición fue una feria mundial que se celebraba en Chicago en los 1893. Se celebraba los 400 anos de la llegada de Cristóbal Colon al nuevo mundo que fue en el 1492. La exposición tuvo un impacto grande en la arquitectura y las artes que se reflejó con un gran optimismo americano durante los seis meses que duro y fue visitada por más de 27 millones personas. ¿Quiénes fueron los que diseñaron la exposición de la Chicago Colombina? Por último ¿que exactamente hace esta exposición tan importante?
Los diseñadores de la exposición fueron John Wllborn, Daniel Burnham, Frederick Law Olmsted y Charles B. Atwood. La razón de estos arquitectos al diseñarla fue porque así era lo que ellos imaginaban de lo que era una ciudad. Se inspiraron por los principios de la arquitectura neoclásica en la que se basaba en la simetría, el equilibrio y lo esplendido. Era bien reconocida por la pieza central de la Feria que era la gran piscina de agua, representaba el largo recorrido que hizo Colon hacia el nuevo mundo. Además, se le conocía como la Ciudad Blanca por la materialidad utilizada para revestir las fachadas de los edificios alrededor de la piscina. Había 14 edificios principales que fueron diseñados por grandes arquitectos como: George B. Post, Richard Morris y Charles B. Atwood.
La feria fue tan importante que Chicago se encontraban al nivel de las grandes ciudades europeas como Paris, Londres y Viena. Además, después de haber salido del gran incendio de la ciudad que había destruido gran parte de ella en el año 1871 logro olvidar su terrible pasado. La exposición se puede decir que también es reconocida por el gran incidente que ocurrió con el alcalde reconocido Carter Harrison que fue asesinado por Patrick Eugene dos días después del cierre de la feria. Se termino por el estado de shock de la ciudad y crearon un servicio conmemorativo público que hizo que se cancelara para siempre. A pesar de cómo fue que acabo la feria la universidad de Chicago la menciona en el alma mater de la universidad que dice “La Ciudad Blanca ha huido de la tierra, Pero donde yacen las aguas azules, Una ciudad mas noble tiene su nacimiento, La Ciudad Gris que nunca morirá”.
En conclusión, la gran feria de Colombina fue un impacto tan grande para Chicago por el gran “feedback” que obtuvo por muchos estadounidenses y personas extranjeras de todas partes del mundo. El impacto de esta feria fue tan grande que surgió un movimiento llamado Ciudad Bella que consistía en grandes edificios y fuentes construidas alrededor de los parques con charcos de agua poco profundos. Para que después empezaran con leyes de zonificación y suburbios planificados. Un buen ejemplo es la Universidad de Columbia y el National Mall.
Hallidie All- Glass Curtain Wall
¿Cuál es la razón por la cual Hallidie es bien reconocida hoy en día? Es considerada una de las primeras estructuras diseñadas con el concepto de muro cortina de cristal. El Hallidie, diseñado por Willis Polk, está localizado en el centro de la ciudad de San Francisco, California.Antes de hablar sobre la importancia del edificio Hallidie el concepto de muro cortina es la manera en que se utiliza varios materiales que mayormente es en marco de aluminio que contiene el cristal, paneles en metal o piedras y todo tiene que se delgado. Era para darle otra apariencia a la estructura, ya que no es utilizada para nada estructural o programático, sino que más para el lado estético. Este concepto es bien reconocido en el edificio Hallidie ya que fue el primero en utilizarlo en cristal.
El edificio se compone de siete pisos cubiertos por los muros cortinas de cristal que están suspendidas por tres pies de distancia al frente de la línea de columnas. Ese muro cortina de cristal esta compuesta por una rejilla estrecha de montantes de acero con un pivote para la ventilación. El sistema estructural es mayormente compuesto por hormigón armado, con una viga perimetral colocada al borde de cada losa del piso. Eso soporta una delgada losa en voladizo que de una soporta el muro cortina, actuando como un para fuegos entre cada piso. El muro cortina esta dividido por varias cornisas de hierro adornado. Lo más curioso es que la razón por la cual se utilizó todo cristal fue por tener bajo presupuesto y acelerar el proceso que solo tenían seis meses.
Es interesante pensar que hoy en día todavía se utiliza este edificio como referencia de muchos edificios modernos con el concepto de muro cortina. Varios arquitectos aprecian por las grandes innovaciones y mezcla en el progreso de los precedentes históricos y como logra crear esa conexión entre ambos. El tener todo diseñado desde la parte estructural y como las vigas soportan los voladizos con el muro de cortina, es lo bonito de esta estructura. La armonía de tantos elementos estructurales que se resolvieron de una manera extraordinaria. Por tal razón es que se siguen repitiendo los mismo conceptos e inspiraciones de este gran diseñador.
En conclusión, el edificio Hallidie será considerado el primer edificio en una zona urbana que utilizo mas de siete pisos con el muro cortina de cristal. Por eso lo mas interesante de por sí es el muro de cortina con todos los elementos de la fachada que le dan ese carácter reconocido. La lectura fue muy informativa y fácil de entender, y mas por las ilustraciones e imágenes que te ayudan a visualizar como era la estructura y como se veía desde la parte estructural.
Otros conceptos del Curtain Wall
Todo tipo de estructura tiene su propia función ya sea el programa, su fachada y la circulación dictando como es que quiere el arquitecto que sean los espacios. La arquitectura cada año se diseña una mejora de cómo hacerlo mejor, ya sea la entrada de luz natural y como afecta con el programa hasta la ventilación natural que recorre todo el edificio. Todos esos pequeños elementos son los que evolucionan y cambian la manera de diseñar las cosas de los demás arquitectos. Ahí entra Mies van der Rohe, uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX con su enorme simplicidad y continuidad de espacios que parecen no tener un principio ni un fin.
Mies tiene varias obras reconocidas mundialmente que se utilizan como precedentes hoy en día como el Pabellón de Alemania, el Crown Hall, Seagram Building y la que se estará estudiando la casa Farnsworth. En donde se puede demostrar que Mies reinterpretaba ideas y elementos ya reconocidos los hacía de una forma suyas. Uno de esos elementos es el muro cortina, inspirado por Willis Polk. Al pasar los años el muro cortina ha evolucionado y se ha seguido utilizando por varios arquitectos reconocidos. Willis Polk fue el primer arquitecto en diseñar algo tan innovador en la ciudad de San Francisco, el muro cortina de cristal. Revolucionando lo que era el típico edificio sellado ahora tenía esa gran iluminación e interacción del exterior con el interior.
A pesar de que la casa Farnsworth no es catalogado como un muro cortina se puede decir que tiene elementos bien similares a los que se basa un muro cortina de cristal. Uno hasta pudiera pensar que es la manera en la que Mies reinterpreta el muro cortina de cristal y lo diseño de tal manera que hace la misma función, pero con un estilo mas moderno y sencillo. Armonizando lo que es el interior de la casa con el bosque en donde esta ubicado, integrando la casa con la naturaleza. Dejando una fachada simple y que uno diría inexistente que no interrumpe la naturaleza, sino que es un camuflaje y eso precisamente era lo que quería lograr Mies.
En conclusión, se puede decir que la casa Farnsworth si tiene características de un muro cortina, pero con elementos que solo Mies utilizaría y por eso es por lo que pienso que es una reinterpretación muy interesante y sencilla, pero logra lo que quiere comunicar. Integrando siempre la naturaleza con el interior de los edificios. A pesar de todo gracias a las ideas de Willis Polk es que se sigue utilizando de manera moderna las paredes en cristales dándole esa transparencia e interacción con el medio ambiente a las estructuras.
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Dos genios, dos estilos
Mies Van de Rohe y Antoni Gaudi
Pensamientos totalmente diferentes, pero ambos con la misma meta de mirar hacia el futuro en búsqueda de una mejor arquitectura. Se puede decir que ambos arquitectos eran extremadamente avanzados para sus épocas y muy importantes en el movimiento modernista. De tal manera el propósito de esta comparación es tratar de unificar estos estilos totalmente diferentes pero que en si reflejan lo que es el buen entendimiento del diseño de un buen arquitecto.
El arquitecto Mies Van de Rohe tenia un estilo que se basaba en lo técnico y las proporciones, de una manera simple pero muy avanzada para su época. Los métodos utilizados por Mies se consideraban absurdos y muy raros en su época, pero ahora es considerado un modelo a seguir o una gran referencia en la construcción. De los aspectos mas importantes de Mies fue el integrar la naturaleza al diseño de su estructura. Un buen ejemplo es Farnsworth house integrando lo que es la naturaleza con el interior de la casa por las paredes en cristal creando esa sensación. En si Mies solo utilizaba lo técnico y simple sugiriendo que la estructura y la ornamentación no necesariamente tienen que ser la fachada o lo mas importante de la obra.
Mientras que Gaudí se basaba en los ornamentos y lo más importante su imaginación artística. Por lo tanto, Gaudí era más libre, ignorando las opiniones de los demás, ya que en su época veían la ornamentación como algo antiguo sin riqueza. Para Gaudí no existía la simetría, lo proporcional, sino lo exagerado y utilizar cualquier medio para obtener unos efectos mayores dentro de la arquitectura moderna. Lo más irónico es que las obras de este arquitecto eran percibidas como burla de los diseños de la época y hoy en día son considerados modelos, iconos a seguir en la arquitectura. Un buen ejemplo es la Sagrada Familia en Barcelona, explotando la ornamentación y la fuera de escala y estilo que tenía en comparación a su alrededor.
En conclusión, ambos arquitectos utilizan técnicas totalmente diferentes pero que en si representan lo que un gran arquitecto debería hacer. Se puede entender que no siempre lo que es igual esta bien ya que ambos arquitectos hacían cosas totalmente diferentes a lo que se hacía y quizás en el momento resultaba algo malo o una burla, pero termino siendo algo totalmente lo opuesto. Todo por no querer seguir a los demás y elegir tu propio camino, por eso para ser gran arquitecto no necesariamente te tienes que acoplar con los demás.
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Gran mentor, gran arquitecto
Rudolf Schindler y el movimiento organico
¿Quién era Rudolf Schindler? Schindler era un arquitecto que nació en Viena donde estudio con arquitectos reconocidos como Otto Wagner y Adolf Loos. Su carrera como arquitecto exitoso se puede decir que comenzó después de mudarse a Chicago y trabajar bajo Frank Lloyd Wright que en su tiempo era de los arquitectos mas famosos de América por su arquitectura orgánica. Gracias a las enseñanzas y destrezas que tomo de Wright, Schindler transforma su manera de diseñar de forma hibrida con la arquitectura orgánica y lo moderno. Dándole respeto a los materiales que eran locales y respetando la condición natural del lugar. En donde la Casa Schindler representa todas las cualidades que lo representan como arquitecto.
Pero primero se hablará un poco de la arquitectura orgánica y cómo surgió ese movimiento. En una oración la arquitectura orgánica se utiliza para describir la armonía entre la construcción y el ambiente natural.
“La interpretación de los principios naturales manifestada en construcciones que viven en harmonía con todo aquello que los rodea…” Frank Lloyd Wright (1867-1959).
Este movimiento surgió durante los principios del siglo XX gracias a Frank Lloyd, aunque el no fue quien se inventó el método fue el que logro unir la construcción con el mundo moderno y un buen ejemplo es la Casa de la cascada. Una buena manera de identificar una obra orgánica es basándose por los 6 puntos claves de Wright, debe parecer que creció del lugar, una forma predominante para toda la construcción, colores naturales, revelar la naturaleza de los materiales, espacios abiertos y áreas verdes. Por eso en muchas obras de Schindler se puede observar ese movimiento arquitectónico, el mejor ejemplo es la Casa de Schindler.
La casa de Schindler fue diseñada para dos familias. La casa es reconocida por como Schindler expreso su filosofía acerca de los materiales, su estructura, la relación entre los espacios, el uso de la luz y la forma. El utiliza de una manera los materiales para buscarle un carácter propio del espacio de la casa y el contexto de california. Lo simple que es la casa y como soluciono todo en un solo piso, con el techo plano se puede decir que se parece mucho a Wright. Sin embargo, Schindler une la casa con el paisaje de una manera en la cual hay una vida que se puede decir privada dentro de un espacio abierto creando algo totalmente nuevo, moderno. Era tan impresionante que un estilo de la arquitectura se llego a conocer como el sur de California Modernismo.
En conclusión, Schindler y su obra maestra la casa toma la idea de interior con exterior de Frank Lloyd a otro nivel mas avanzado. La manera en que Schindler toma movimientos modernos ya creados y los manipula de una manera que los hace unico es totalmente impresionante. Claro todo fue gracias al el poder tener la gran experiencia de trabajar bajo la firma de Wright y poder adoptar gran parte de sus ideas es que logra tener este vocabulario de la integridad mas a fondo con la naturaleza.
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Lo moderno en Latino América
Antes de hablar del modernismo en América Latina debemos tocar el tema de cómo fue que comenzó el modernismo. El concepto de modernismo surge entre la década del XIX y XX en donde surge el entusiasmo excepcional por la parte estética con fin de unificar el arte con la vida social. El modernismo comenzó en Bélgica y luego fue expandiéndose por toda Europa. En donde adaptaron un estilo burgués y urbano para buscar otras formas ricas y sutil para tener en fin una ciudad bella y alegre. La arquitectura en América Latina ha pasado por muchos cambios a través de la historia. Mucho fue por causas de grandes naciones por invadir y mezclar ideales y sus culturas.
El movimiento del modernismo en América Latina surge gracias a grandes arquitectos de Europa y América, un buen ejemplo es Le Corbusier. Ese movimiento en Latinoamérica comenzó luego de las guerras de independencia en España y Brasil para crear esa separación de Portugal. Todos esos problemas sociales influyeron en las ideas y propuestas de muchos artistas latinos porque no sabían como crear una cultura de ellos mismos. Pero todo cambio luego del proyecto “Ministry of Education and Health building” en Rio de Janeiro. Dándole como unas gracias a Le Corbusier inspirando muchos de los grandes arquitectos latinos de hoy en día. Los artistas latinos encontraron esa chispa cultural o diferente en la arquitectura que muchos al visitar estas estructuras se quedaran sin palabras.
Muchos arquitectos surgieron en este movimiento haciendo el modernismo en América Latina bien valioso. Empezando con el Pedregulho housing en Rio de Janeiro. Que era tan grande la escala que muchos arquitectos de otros países jamás habían visto cosa igual. Otro que influyo en este movimiento fue Luis Barragán con los famosos colores, Eladio Dieste y la manera en como utiliza el ladrillo. Pero lo más que ensena este movimiento moderno en Latino América es el poder de los latinoamericanos es la manera en que los arquitectos pudieron a pesar de toda la historia lograr crear unas ideologías visibles y físicas que uno jamás se imaginaria ser posible. Mostrando que el Modernismo podría ser una forma de arquitectura genuina e intensamente urbana.
En conclusión, pienso que gracias a la mezcla de las culturas los latinoamericanos en parte lograron desarrollar un diseño propio, pero con cualidades o características de otras culturas. Haciendo el diseño de los latinos mucho mas fuerte. Encuentro estas lecturas muy informativas e interesantes y pienso que se puede aplicar en Puerto Rico, ya que al igual somos colonia, pero se ve el poco desarrollo en crear esa ideología propia en cuanto a diseñar una estructura. Pero pienso que la generación que viene ahora quizás cambie varios pensamientos que ocurren hoy en día en nuestra isla.
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Dos obras, un genio
Mill Owners' Association Building (1954)
Carpenter Center for the Visual Arts (1963)
Estas dos obras representan el movimiento moderno de la arquitectura en el siglo XX por tener los aspectos de configuración de espacios, formas compositivas y estéticas. En donde claramente se puede apreciar en las obras de Le Corbusier. Su manera de pensar se puede decir que estaba adelantado en su tiempo, gracias a sus 5 puntos de la arquitectura moderna formo un cambio en la arquitectura para siempre. Se estarán comparando dos de sus obras que considero extremadamente interesantes y en si representan el modernismo a lo máximo por mantener un aspecto urbano y estético a la vez. Los edificios son Carpenter Center for the Visual Arts y Mill Owners' Association Building.
Empezando con el Centro de Artes visuales fue construido en el año 1963 y esta ubicada en la universidad de Harvard. Uno de los detalles que más me llamo la atención es lo espacioso que es el interior a pesar de lo pesado que se ve desde el exterior. Mill Owners’ Association Building fue construido en el ano 1954 y está ubicado en Ahmedabad, India. Una de las cosas que más me llamo la atención de este edificio es que introdujo “brises-soleil”, y lo que hace es evitar que la intensidad del sol entre en la fachada y además ese contraste de integrar la naturaleza con un edificio cargado ayuda a crear ese balance.
A simple vista se puede decir que ambas tienen un parecido bastante marcado, desde la materialidad hasta los mismos elementos estructurales que se utilizan en algunas partes de la fachada. Pero ambos tienen unas características en que se distinguen entre sí. Un elemento que se repite y es bien marcado es la rampa central que permite a los impedidos tener la misma experiencia que los demás. Otro factor que se puede identificar en plena vista es la manera en que utilizan los paneles en diagonal de las fachadas para tener un tipo de entrada de luz natural sin tenerla directa. Por último, el poder diseñar el edificio que se vea cargado exteriormente y que por dentro sea otra experiencia una mas libre y abierta se puede decir que comparten esa cualidad también.
En conclusión, pienso que estas obras demuestran el movimiento moderno del siglo XX a lo máximo y se puede apreciar esos 5 puntos que implanto en sus diseños. Le Corbusier tenía ese talento de poder utilizar la estructura de forma que se vea estéticamente lindo. Lamentablemente no como se ve en Puerto Rico que se oculta porque prefieren ahorrarse dinero y tiempo, ya que es mas fácil taparlo o evitarlo. Esperemos que las ideas que muchos arquitectos como Le Corbusier implanto en la arquitectura las generaciones que entran lo utilicen al máximo para cambiar la manera de diseñar aquí en Puerto Rico.
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São Paulo: A Graphic Biography
Felipe Correa
Felipe Correa es un profesor Asociado y Director del programa Diseño Urbano de Harvard Graduate School. Él es bien reconocido por como utiliza la investigación para contribuir con el diseño del espacio y el ambiente. Su firma llamada Somatic Collaborative, trata de resolver problemas del urbanismo aplicándoles soluciones factibles para los clientes y para la sociedad. Trabajan con la arquitectura paisajista, urbanismo y infraestructura.
Durante la conferencia que el profesor transmitió para la Escuela de Arquitectura de Rio Piedras nos presento como construir una cultura descriptiva para ayudar a generar un dialogo entre el análisis y decisiones proyectuales. Además, hablo de como fue el proceso de el antes de hacer la investigación del proyecto Sao Paulo y como trabajo con una diversidad de profesionales. Demostrándolo con el proceso descriptivo atándolo con el proceso del desarrollo de un proyecto.
El proyecto que nos presenta Felipe que se llama Sao Paulo me pareció muy interesante. Es un proyecto de investigación aplicada sobre el futuro de zonas post industriales en la misma ciudad Sao Paulo. Tocando el tema de como creció este contexto urbano de la ciudad y como se puede trabajar en la transformación de cada zona en las que el se refiere como post industriales. Teniendo como idea crear una gran ciudad urbana en Sao Paulo para tenerlo como referencia o modelo a seguir para las demás ciudades.
En conclusión, esta conferencia me pareció muy interesante y educativa, en donde como futuro arquitecto podre utilizar esta idea de tener una investigación antes de diseñar para poder fortalecer el proyecto y poder aplicar lo aprendido en los próximos anos de mi bachillerato. Además, me pareció muy buena el proyecto de Sao Paulo y pienso que ese mismo análisis o investigación se puede utilizar hasta aquí en la isla para mejorar futuros proyectos.
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Dos genios con dos visiones
Frank Gehry
Rafael Moneo
En la arquitectura modera hay varios arquitectos que se utilizan como precedentes y para análisis. Pero de los más sobresalientes son: Frank Gehry y Rafael Moneo. Claramente ambos tienen unos estilos y filosofía de diseño totalmente diferentes y eso es lo que los hace interesante estudiarlos juntos. A pesar de los estilos ambos tienen ese lado de utilizar la materialidad como punto central de una obra. Es interesante como la oposición de estos arquitectos pueden afectar un movimiento de la misma manera, ambos siendo figuras importantes en la arquitectura moderna.
Empezando con Frank, el es un arquitecto canadiense que en cualquier lugar puedes reconocer su edificio. Es tan evidente ya que el siempre trata de resaltar lo orgánico dentro de todas sus obras. Además, se puede decir que este arquitecto tiene como influencia el arte. Así mismo, todos los proyectos que ha diseñado se pueden catalogar como esculturas inmensas u obras de artes. El Guggenheim es de su obra más característica en donde demuestra la habilidad y el estilo que posee Gehry. Esta misma afecta tanto el espacio alrededor que es bien difícil no percibirla. Gracias a ese gran monumento es visto como un punto de interés en la ciudad de Bilbao.
Luego Rafael es un arquitecto español que se enfoca más en la construcción del edificio y su materialidad. Sus diseños a plena vista son simples y minimalistas pero la materialidad es lo que logra ese aumento de complicidad a cada una de sus obras. Es reconocido por crear muebles que salen de la misma estructura y proponer varias maneras de utilizar entradas de luz natural para aumentar lo hermoso dentro de sus espacios simples y minimalistas. Uno de sus proyectos más importante es el auditorio Kursaal en la cual se percibe su estilo en la mejor definición. Por eso gracias a esa manera de percibir algo simple pero complicado es lo que logra considerar a este arquitecto como de los mas reconocidos en la arquitectura contemporánea.
En conclusión, estos dos grandes arquitectos con ideales opuestos fueron esenciales para lograr esa base fundamental con la arquitectura contemporánea. Algo que si se puede decir es que ambos comparten en la importancia de la materialidad en los edificios. Que se puede decir y comparar con unos edificios que tomaron decisiones de diseño similares, pero obviamente fueron desarrolladas diferentes.
An engineer imagines
Se utilizan las reflexiones 4,6 y 7
Luego de haber acabado el libro y tener en cuenta el documental y las demás reflexiones me parece muy interesante y diverso el tema de lo estructural dentro de un diseño. Me parece muy bien demostrado y ensenado la manera de ilustrar los diferentes métodos de estructuras, las maneras en que se pueden utilizar varios materiales y como no solo la fachada es lo unico que se puede utilizar para atraer al publico o a la sociedad. En otras palabras, la ingeniería estructural no solo se enfoca en como aguantar un edificio, sino que también ayuda con el diseño y la estética de la obra. Eso me gustó muchísimo porque logra comunicar ese mensaje de que no solo es cómputos y saber dónde ubicar la estructura, sino que puedes alterar y mejorar el espacio dentro de la obra.
Luego de estar leyendo y aprendiendo sobre varios temas durante la clase hubo dos temas que me llamaron mucha la atención en cuanto la similitud que tenía con el libro es la obra Crystal Palace y Hallidie All-Glass Curtain Wall. Estas dos obras en mi opinión gritan esa conexión entre lo estructural y la fachada o lo estético de las obras. La manera en que Joseph Paxton logro diseñar esa gran obra maestra con el hierro fundido y cristal trayendo elementos modulares y prefabricados me hizo pensar en la obra Opera de Sídney. No es por lo material sino es mas por la misma pregunta que muchos se hacen, ¿cómo rayos logro diseñar y aguantar esa obra? Ambos utilizan el diseño estructural a lo máximo para lograr esa visión del diseño.
Entonces en la obra All-Glass Curtain Wall rápido pensé en la obra de Lloyd;s of London por la manera en que Richard Rogers utiliza la estructura con lo estético de la obra o lo que reslata pues lo pude comparar con el Curtain Wall ya que tiene el mismo propósito, de poder utilizar lo estructural no solo para sostener la estructura sino que para darle es elemente de hermosura a la obra.
En conclusión, me parece muy buena las recomendaciones de lecturas y como no solo las fachadas y lo estético lo lindo como quien dice sale de un arquitecto. Este libro me gustó muchísimo por tocar muchas obras tan reconocidas que si este libro no hubiera explicado un poco de cómo funciona las estructuras de ellas me hubiera quedado con la misma pregunta de como es posible. Gracias a esta lectura me interesa el tema de lo estructural y como aplicarlo dentro de las obras para futuros proyectos.
Autorreflexión Final
Al final de todo lo que ocurrió en estos últimos meses se puede decir que la clase fue muy dinámica e interesante. Tocando temas que ayudan con nuestra manera de ver las cosas dentro del mundo de la arquitectura. Además, me pareció muy buna la dinámica de seleccionar un libro que te parezca interesante para luego de leerlo poder integrar varios temas con esa lectura. Es una buena idea el poder aumentar ese lado teórico al momento de diseñar que pienso que no se utiliza durante las clases de diseño.
Se debería de implementar mucho mas por lo menos el seleccionar unos libros cada semestre que nos puedan ayudar con nuestros diseños, aunque claramente debería de salir de cada estudiante, pero pienso que el profesor al tener mayor conocimiento nos podría sugerir varios libros y así además de expandir la parte teórica de la arquitectura expande la manera de diseñar de cada alumno.
Otra dinámica que me pareció muy buena fue tener esa conferencia con Felipe Correa y pienso que en todas las clases de diseño unas charlas o conferencias dedicadas a lo que estamos estudiando o analizando durante el semestre seria de una manera mas benéfica para nosotros los alumnos.
En conclusión, buena clase y buenos temas de enfoque, que si no fuera por la pandemia se hubiera aprendido mucho más. Pero a pesar de todo me gusto mucho la clase y como el profesor mantuvo desde el principio esa conexión entre todos los temas y como nosotros debimos identificarlos y analizar el impacto de cada uno de los temas.